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2017年1月

2017年1月13日 (金)

第70回「絵と人生」

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講 師:渡辺貞之(画家)

1940年旭川生まれ。道学芸大(旭川校)卒。

秩父別町開拓記念像制作(1995)。網走美術館企画で「天使の詩が聞こえる」展開催(2006)。私設「うなかがめーゆの美術館」開設(2002)
現在アートホール東洲館館長、全道展会員。

独立展準会員推挙(2007)、独立展選抜展で奨励賞(2014)を受ける。
深川文化賞受賞(2003)

絵を通じて人生をみた   

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第70回例会は、深川在住の画家渡辺貞之にお願いした。タイトルは、「絵と人生」だった。渡辺は、いくつもの顔をもっている。深川にある東洲館の館長を務めながら、地域文化の育成に力を尽くしている。その中の1つが、芝居づくりである。自ら脚本や舞台構成を担当しながら多くの市民と交流している。また数年前には、全道展の事務局長を務めていた。渡辺は、道内に幾つかの公募展があるが、この会の価値について、「人を育てる会」であり、それはとても大切なことだと語っている。ただ絵が技術的にうまくなるのではなく、「人を育てる」という視点は興味ふかい。なぜなら人が絵を描くのであり、その作家の人間性が宿らない作品はとても薄ぺらいものになるからだ。

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本題にはいる前に、これまでの作品の歩みをスライド映像で紹介してくれた。大きな変遷があった。1980年代には、室内状景の中に人体の部位を点在した。1990年代には、「回転」シリーズへ、さらに2000年頃から子供が登場する「黒い羽根の天使」シリーズとなり、最近の演劇的要素を組み入れた「ごっこシリーズ」に発展した。

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渡辺は、絵と人生を語る上で、教員(小学校)生活は大変重要という。長年の教員生活の中で、子供から多くのこと学んだという。子供の絵は一枚一枚が、素晴らしい価値があるという。なぜなら絵の中に、子供の心がそのまま映しだされているからだという。今回、母牛と子牛を描いた子供達の絵をみせてくれた。ある子は母牛のやさしさを強調し、ある子は子牛の表情に着目して描いていた。そこには「上手、下手」を超えた何かが表出していた。絵には、独創的な構図もあり、なにより自らの心をストレートに絵に押し出していた。

渡辺は、このレクチャーで、子供の頃から貧しい生活の中で多くに素晴らしい友人(仲間達)や先生から、多くのものを与えられたかを語っていた。それが財産になっているという。だからこそ自分にとって絵と人生は切り離すことはできないという。この話をきいて、私は、この画家は、絵を描くことで自分を見つめ、絵によって自分が支えられ、またそこから新しい自分を作りだしてきたのだと感じた。

子供の頃から絵のうまい子だったようだ。小学校時代には、たくさんのポスターコンクールに入賞したという。大学時代に師から「ひたすらデッサン」が大切と教えこまれた。それを日々実行した。デッサンすることで、しっかりと対象をみつめることを学んだ。そうすることで当時席巻した抽象画の波をうけることがなく、具象画に留まったという。いまでも「ひたすらデッサン」を続けているという。

ここで渡辺の絵画の特質について、少し語っておきたい。絵の中に子供達を描いているが、そこに大きな意図が隠されている。渡辺は、「子供は天使」の表情もするが、ある時は「悪魔的な表情」をすることがあるという。つまり子供を、「小さな大人」としてみている。羽根をはやした子供。さまざま遊び(ごっこ)に興じる子達。そして絵の中にある種の心理劇や深層心理を持ち込んだ。つまり舞台状景という「虚の世界」に、現代人の心を象徴させたわけだ。だから一見してとても入りやすいが、実のところ深いものが隠されているのだ。

最後に私からお願いをしたい。地方で美術館を運営することはとても大変なことだ。深川の東洲館がより地元に根ざした活動が進展することを…。そして渡辺の絵画がさらに現代性を帯びながら、独立展おいても確固たる評価が得ることができるようにと…。(柴橋)

第69回「漆」

第69回 2016年10月28日(金)

講師:渡邊希(美術家)

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1982年札幌生まれ。
東北芸術工科大学卒業・同大学院修了後、青森県弘前市で塗師・松山継道氏に師事。漆を用いて乾漆技法を主体に作品を制作。
漆造形、うつわ、小物、家具などを手掛ける。
2008年初個展(札幌・大丸藤井セントラル)、以降札幌を拠点に国内外の展覧会に参加。
2014個展「東京青山・スパイラルホール」2008年から北海道新聞コラム連載。2015年アートワーク「大阪・新ダイビル」「札幌大地みらい信用金庫」、銀座三越常設。

「漆の美」でアートワークに挑む


第69回レクチャーは、美術家の渡邊希に「漆」と題して話をしていただいた。渡邊は、「漆」を工芸の枠にとどめることなく、その可能性をさまざまな形で発展させている。
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「漆」を学ぶため東北の地を選んだ。東北芸術工芸大学で学び、さらに同大学院をおえた後、弘前市で漆塗師の松山継道に師事した。松山は江戸時代が続く伝統の津軽塗を継承しながら制作していた。

 渡邊は、伝統技法を生かしながら、自分の感性によりそいながら、どんなに厳しい道であっても自分が納得する「作品づくり」を目指した。渡邊は、古くは仏像制作の1つの技法でもある「乾漆技法」を軸にして、新地を切り拓いた。食器や家具なども制作した。

今回は、そうした作品を会場にもちこみ、見せてくれたが、みんなそれらを手にしてその軽さや色合いの見事さに驚いていた。

渡邊は、この「乾漆技法」を活用し、さらに彫刻的作品に挑んでいる。その代表作が2015年にオープンした、大阪の北区堂島にある「新ダイビル」でのアートワークだった。

この旧ビルは、調べてみると1963年に建築家村野藤吾により設計されていた。堂島のシンボル的存在だった。それを新ビルは、日建設計が設計、大林組が施工した。新しいビル空間は全体として約1000坪もあるという。
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渡邊は、2体のアートワーク「景 ―朱―」「景―金―」を設置した。「朱」と「金」はそれぞれ「和の色光」を放ち、この空間で流れる「時間」に応じて変化した。また周りのガラスにも反映し、華やかさと新生な感覚をつくりだした。ビル側は、2つの「景」は、「都市と自然、内と外、人と建築」を繋いいでいると高く評価している。

また札幌にも彼女の作品が置かれている。札幌駅の近くにある「札幌大地みらい信用金庫」の空間においたアートワークだ。ぜひ見る事を勧めたい。
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大型の透かし造形となっている。この透かし彫りは、漆の素材自体が芯となりしぜんと形を作りだしている。彼女の作品を理解する上の重要な作品となっている。

このように渡邊は、建築空間とのコラボレーションにより、和のティストを持ち込むことで、これまでにない美を造りだしている。

歴史が浅い北海道では、どうしても伝統的な「漆」工芸を学ぶ場も、発表する機会の少なく、いろいろな面で不利になっていた。その不利な状況を跳ね返して、「漆」でアートワークに挑む彼女の姿は、これからの若い人に勇気と自信を与えてくれるに違いない。
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こんな女性美術家が生まれたことを掛け値なく喜びたいし、これからも開拓精神を燃やして、いろいろな機会を生かして、「漆の美」のさらなる進展をみせてほしいものだ。

(柴橋)

第68回「私の絵画制作とその見方」

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講 師:鈴木秀明(画家)


1948年旭川市生まれ。函館市在住。
安井賞展(第31回、第32回)に出品。1992年第1回小磯良平展入選。1992年第26回現代美術選抜展出品。
東京都美術館主催「ベストセレクション美術2014展」出品。
1993年安田火災美術館財団奨励賞展秀作生。
1993年第7回青木繁記念大賞展出品。

現在、日本美術連盟会員、美術文化協会会員、新道展会員

「虚なるもの」に真実をみつめる眼
第68回レクチャーは、函館在住の画家鈴木秀明にお願いした。題して「私の絵画制作とその見方」。会場には新道展などの画家の姿が多くみられた。鈴木は、札幌で美術文化協会展、東京でグループ展を開催しており、そんな忙しい時間を割いてレクチャーをしてくれた。 
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私は個人的にも親交のある画家で、小画集づくりに協力させて頂いたことがあるが、「
これまでの歩み」をゆっくりと聞くことがなく、とてもいい機会となった。特に大学を卒業して、初赴任した根室の成央小学校では、専攻外の図工の専科を担当することを命じられたことが、「絵とは何か」を考えるきっかけとなったという。専門外の教科指導のためかなり苦労したようだ。特に「子供の絵の評価をどうするのか」「教授法をどうするか」などかなり重い課題となった。
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そうした課題を背負いながら、地元の公民館で開講されていた絵の講座に参加した。師
は画家の亀浦忠夫だった。師のアドバイスもあり、その後は新道展や美術文化協会展に出品することになる。ただ鈴木の凄い所は、初体験の絵づくりをしながら自作の評価を求めて公募展に出品したことだ。怖れを知らずに半年足らずで制作した100号「永遠に」で
新道展道新賞を受けた。
その後は、さらにシュールな画風を深め、「細胞」「殖」「プランクトン」などを主題にした。大きな賞(新道展協会賞、美術文化協会賞など)も受賞するようになった。デッサンは不得手であったが、技術などで製図法など学んでいたことが、線を引いたり、構図づくりに役にたった。
鈴木の絵画は、高度経済成長の繁栄を賛美する風潮とは逆向きに、解体する人間や不安
な空間を描いていくことになる。その典型が鈴木の代表作でもある「予感Ⅰ」であろうか。
ドアの前の変形した顔。壁には人影。実に不安な人間の状況が描かれていた。その後は公募展の「枠」から出て、積極的に対外試合にチャレンジしている。安井賞展に二回出品、安田火災美術財団奨励賞展(秀作賞)、第7回青木繁記念大賞展など数多くの場で評価されている。
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その前後の絵画の変遷をみておくと、80年代には「幻想的なリアリズム」の傾向が強まり、神話などを題材にしながら黙示録的な色彩が濃くなる。90年代には、古代ギリシャの彫刻が登場し、完全なる美も崩壊するという視座で、「古代幻想」をシリーズ化する。2000年代には、さらに神話から聖書世界へと幅を広げ、「ラザロの復活」「ネクロポリス」などを生みだしている。特に「ラザロの復活」はこれまでにない流動する空間を造りだしている。
私からみて、その「歩み」は大きな視点でみれば、「虚なるイメージ」が底流に流れているが、徐々にエロスや美の崩壊から、「死と再生・復活」というテーマに動いているように感じた。それは画歴が40年を超える中で、時代相を見つめる眼が大きく変化したことを示しているようだ。
全体を通じてこのレクチャーでは、主題の変遷と時代との相関性についてもうすこし詳しいコメントが欲しかった。内面の変化とはどういうものであったか聞きたかった。
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最後に独自な視点で編みだした20項目からなる「自己評価の視点」(造形要素)を語ってくれた。それは造形の特質を確認するためのもので、いわば「鈴木秀明式評価ルール」というべきものだった。自己評価基準でもあり、他者の作品評価基準ともなるようだ。
その1つの項目「個性」(観念・環境)には、「事物の個人的概念+想像力+抽象化+高
貴さ+情熱=強い表現=全体の調和=個性」となった。
これからも分かるように、マチエールやヴァルールのような絵画的要素だけでなく、この画家はかなり画家の「個性」を重要視しているようだ。
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(文責・柴橋)

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